Otoño es sinónimo de muchas cosas, y una de ellas es REM, grupo que se queda con el puesto como una de las bandas que marcaron el final de los 80's y el inicio de los 90's, que supieron darle al Rock
alternativo un toque elegante pero sin llegar a la pedantería, en su justa medida y recubierta de una
nostalgia de juventud poética que envuelve al conjunto de la banda, y en especial, con el disco que
toca analizar hoy, "Automatic for the People", aprovechando, como no, el 25 aniversario del mismo.
Si nos ceñimos a la época en la que salió en disco podremos ver como REM, en pleno contexto reinado por el Grunge (especialmente el de Nirvana), consiguió un éxito rotundo con el ya archiconocido Out of Time de 1991, con el clásico Losing My Religion, es decir, la banda dio el salto
de forma magistral en los 90's, algo poco común en otras bandas del mismo género, como Pixies o The Cure, demostrando una magistral capacidad para adaptarse a nuevas épocas, pero sin lugar a dudas esta adaptación se reflejó con más fuerza en el álbum que hoy analizaremos.
Si ya de canción inicial tenemos un tema como Drive es que efectivamente, estamos ante un disco extraño de por sí, iniciando un disco con un estilo pausado y relajante, más propio del final de un LP, pero que se defiende como un tema que trata temas tan profundos como la inseguridad en la adolescencia que finalmente deriva en adoptar aspectos externos como si una esponja tuviéramos de personalidad, absorbiendo todo aquello externo que puede usar como escudo de inseguridades, en definitiva, recurriendo al cliché (muy propio de aquella época y que cada vez va recuperando fuerza a día de hoy) del rockabilly al que solo le importan las apariencias y lo mucho que mide su... tupé engominado. "Hey kids, rock and roll Nobody tells you where to go, baby"
Y del mundo de las apariencias vamos al de Try Not to Breathe que emana una fragancia a adolescencia incluso aún mayor que la anterior, fragancia que presenta otro de los aspectos más recurrentes en la vida de muchos jóvenes, la idea de que ya han vivido todo lo que tenían que vivir, por lo que seguir respirando ya no tiene sentido. Curiosamente a día de hoy esa idea de juventud eterna ha sido expandida hasta límites insospechados en los que la vejez es solo un estorbo a los ojos de aquellos que no quieren llegar a semejante estado, rechazando así una parte de su vida futura y pretendiendo alargar lo máximo posible su vida presente y joven, una suerte de Carpe Diem macabro en el que la idea no es aprovechar el momento, sino extenderlo lo máximo posible con el fin de evitar la aterradora vejez. Aún más curiosa es la idea de que, físicamente, el ser humano es imposible que muera a causa de dejar de respirar, el propio organismo lo impide como forma de autoconservación, irónico cuanto menos. "I will try not to breathe. This decision is mine. I have lived a full life And these are the eyes that I want you to remember."
Ahora, si de canciones sin sentido alguno en cuanto a letra pero magistralmente llevadas en el plano de la musicalidad y el ritmo tenemos a The Sidewinder sleeps Tonite, que con un tono alegre a base de guitarras y un teclado nos muestra a un Michael Stipe lleno de vida y cantando como en ninguna otra canción he escuchado que lo hiciese, con probablemente el estribillo más simple y eficaz de todo su repertorio, ya que con poco consigue mucho. Destacar la batería, que mantiene la motivación propia del tema en constante armonía y ritmo, y la increíble voz de Stipe.
"Call me when you try to wake her up"
Y del frenetismo de la canción anterior pasamos a la total depresión y belleza de Everybody Hurts otro de los grandes himnos de la banda, dedicado de nuevo a la juventud, que a veces sufre debido a que piensa que su dolor es único, cuando en todo el mundo hay personas que están pasando por situaciones similares (sino iguales) y que deben de calmarse, echar fuera todo lo que tengan que echar y recapacitar sobre lo ocurrido, ya sea en solitario o con ayuda de amigos y familiares, todo pasará, y tú debes de contribuir en ello.
Pasando al ámbito de la música, la voz de Stipe en esta ocasión es angelical, llegando al alma de cualquiera que tenga la ocasión de escucharla, se presenta al inicio simple, con una guitarra tocando acordes de Do y Sol arpegiados y con un bajo de fondo, pero a lo largo de la misma se van añadiendo teclados, violines e incluso una segunda voz del propio Stipe haciendo los coros.
En resumidas cuentas, una de las muchas obras maestras, no solo de este disco, sino de toda la banda en general.
"'Cause everybody cries And everybody hurts sometimes Sometimes everything is wrong Now it's time to sing along."
Y con un instrumental nos hemos topado, Sancho (mis dieces a quién pille la referencia) siendo New Orleans Instrumental No.1 un tema que dentro de su simpleza sabe aprovechar sus puntos fuertes (especialmente es instrumento que da melodía principal al tema, que aún no sabría reconocer) sin lugar a dudas una muestra de que la creatividad del grupo no tenía límites.
Nostálgica se abre Sweetness Follows un tema pausado con una letra que roza el diez, que muestra nuevamente al joven medio perdido dentro de su propia vida en la que permanece ciego frente a lo que no quiere ver y se distancia de todo, especialmente de sus familiares. A pesar de no ser tan conocida como canciones anteriores, es merecidamente una de mis favoritas y de las que más recomiendo dado a su ritmo solemne y lleno de significado y sentimiento. "Listen here my sister and my brother What would you care if you lost the other? I always wonder, why did we bother? Distanced from one, blind to the other."
Reconozco que Monty Got a Raw Deal es mi tema menos favorito del disco, dado a que no me parece que destaque tanto como el resto del mismo lo hace, quedándose en algo que pudo ser más de lo que fue.
Ignoreland es algo mejor que la anterior, pero tampoco es mucho mejor, desde luego que habría mejores opciones que ésta para meter en el disco, ya que en mi opinión rompe un poco con la consonancia y el significado del mismo, es decente pero no a la altura del álbum.
Volvemos a la parte más destacable del disco con Star Me Kitten con el ya consolidado ritmo lento de la banda, en la que destaca el bajo y la sensual guitarra de fondo que le da un toque muy groove al tema, recordándome a temas como Sun King de The Beatles,
"Hey, love, look into your glovebox heart What is there for me inside, this love is tired"
Oh sí, al fin llegamos a mi dúo de canciones favorito, en este caso Man on the Moon, tema de lejos reconocido como un tema de tono irónico rememorando a Andy Kauffman, humorista e imitador de Elvis en numerosas ocasiones, llegando a especularse de que el mismo Andy falsificó su muerte.
Si de instrumentalización hablamos me veo obligado a destacar los coros celestiales de fondo, el piano y como no, ese bajo tan característico junto con esa guitarra inconfundible.
"Andy are you goofing on Elvis, hey, baby? Are we losing touch?"
Y al fin llegamos a mí canción favorita de todo el disco, Nightswimming que con apenas un piano y unos chelos en el fondo, junto a la suprema voz de Stipe, consiguen hacer que me enamore de un tema tan perfecto de principio a fin, ya sea por esa melancólica letra, de veranos llenos de risas y amores que nunca se consolidaron, como por ese magnífico fondo instrumental... demasiadas emociones en tan poco tiempo, darle un diez es quedarse corto, y mucho.
"Nightswimming deserves a quiet Night..."
Y terminamos con Find the River otra obvia referencia a como la juventud intenta buscar su propio río para poder llegar a un océano de amor y de aceptación personal, mostrando al REM más alegre y positivo de todo el disco, cerrando de manera optimista el LP de manera perfecta.
"The ocean is the river's goal A need to leave the water knows We're closer now than light years to go"
Si eres adolescente te recomiendo ampliamente este disco, a mí me ayudó gratamente con ciertos problemas y aquí estoy, recomendando uno de los LP que más orgulloso estoy de seguir escuchando aún a día de hoy, 25 años después de su salida, porque la buena música nunca muere si la sigues escuchando.
Si de música de calidad pero a la vez de éxito (dos aspectos que desgraciadamente no van siempre de la mano) hablamos, The Smiths encarnaron dichos méritos en un periodo realmente corto, apenas en 5 años en los que consiguieron revolucionar mediante la brillante mezcla de las letras poéticas de Morrissey y la innovadora guitarra arpegiada de Johnny Marr una industria que parecía perdida entre música disco y Thrash Metal en una época repleta de crisis y para desgracia de Morrissey, Margaret Thatcher.
Y si de discos de The Smiths hablamos es casi un hecho que el más redondo y cuidado es su tercer LP The Queen is Dead, disco que inicialmente tenía pensado llamarse "Margaret on a Guillotine" algo que cuanto menos hubiera causado la misma o incluso más polémica que el título final.
Con una canción de inicios del siglo XX llamada "Take Me to the Dear Old Blighty" nos introduce el disco The Queen is Dead, la homónima del disco que presenta dos cosas a priori poco propias del grupo, una letra con poco sentido pero que nos deja frases de la talla de "Oh has the World changed, or have I changed?" y una guitarra frenética y con una distorsión inusual de parte de Marr.
En mi opinión es un inicio potente y desgarrador, algo raro si tenemos en cuenta las primeras canciones de los discos anteriores, especialmente la calmada y relajante "Reel Around the Fountain"
de su primer LP. Además la canción es acompañada de una batería muy marcada por un ritmo al estilo de ritual místico junto a un bajo que se hace destacar por enfrentarse directamente a la guitarra batallando el liderazgo melódico del tema, que culmina con la mítica frase "Life is very long, when you're lonely".
Irónica y juguetona llega Frankly, Mr. Shankly con un estilo claramente sarcástico marcado por una batería que recalca a la perfección los cambios de ritmo, una guitarra que prefiere los acordes rápidos y un bajo que aboga por el Walking Bass al más puro estilo del Jazz pero sin perder ese carácter circense que envuelve a la canción. A todo esto se suma la letra que cuenta la historia del estándar de músico que quiere a toda costa llegar a ser famoso en la industria, prefiriendo la fama sobre cualquier otra virtud en la vida.
"Still I rather be famous
Than righteous or holy, any day..."
Melancólicamente sigue el disco con I Know it's Over, la balada del disco en la que más se puede apreciar la gran habilidad de Moz para crear una letra que de principio a fin nos mantendrá atrapados en un ambiente en el que la guitarra de Marr adornará con una preciosa guitarra acústica, especialmente en la parte final de la canción, mostrando una experiencia casi religiosa en la que la batería y el bajo son cruciales para una atmósfera perfectamente articulada por la banda, estallando al final en una explosión de sonidos que se mantiene dos minutos gloriosos que cierran a la perfección el tema. Destaco la maravillosa línea "It's so easy to laugh It's so easy to hate It takes strength to be gentle and kind". La elegancia de una pasión frustrada contenida en 5 minutos.
"Love is natural and real
But not for you, my love Not tonight my love..."
Tras el éxtasis de la canción anterior pasamos a otra canción lenta con toques también de balada, Never had no one Ever la cual, en mi opinión, no llega a ser tan grande como la anterior pero sí está a la altura del disco, predominando en ésta la batería y la guitarra y dejando el bajo para un segundo plano. Está en particular es una canción bastante simple líricamente hablando, algo que no termina de convencerme del todo, aún así es una buena canción cuyo final deja en intriga y desconcierta al oyente.
Y tras las dos baladas más remarcadas del disco llega acompañada de una magnífica guitarra acústica Cemetry Gates que comparte título con otro famoso tema del grupo Pantera (aclarar que nada tienen que ver más que en el título). La tristeza que me produce esta canción es la propia del éxito que pudo llegar a ser y que nunca fue debido a la enorme fama que consiguieron otras canciones de este disco.
La canción es claramente marcada por la guitarra acústica y la batería, dejando nuevamente en un segundo plano al bajo hasta el final del tema en el que toma algo más de protagonismo.
La letra tiene claras referencias a Oscar Wilde y a otros escritores como Keats o Yeats, siendo el primero todo un referente y fuente de inspiración para Morrissey, quién no duda en cantar una oda a las amistades con claras preferencias literarias que se reúnen a las puertas de un cementerio en días nublados para hablar sobre la fugacidad de la vida y la tristeza propia de la muerte.
"Keats and Yeats are on your side
But you lose because weird lover Wilde is on mine"
La frenética Bigmouth Strikes Again traspasa la mitad del disco para recordarnos la gran habilidad de Morrissey para escribir canciones tanto relajantes y bonitas como mordaces y con una agresiva que queda perpetua en la primera estrofa de una canción en la que la banda al completo muestra su tremenda habilidad con cada uno de sus instrumentos, colapsando todos en el solo fantasmal de Marr acompañado, como no, de espectrales coros por parte de Moz.
"Sweetness, sweetness I was only joking When I said I'd like to Smash every tooth in your head"
Como si de un arpa celestial se tratase entra de lleno The Boy with the Thorn in his Side uno de los temas más interesantes en cuanto a guitarra, debido a que se escucha una perfecta mezcla entre acordes en posición de Re (D) con una preciosa sucesión de arpegios que acolchan la voz de Morrissey como si de un ángel se tratase, quién aporta además una de sus letras más oníricas con una sucesión de falsetes que demuestra, tras ciertos desarreglos con éstos en su primer disco, su control sobre la técnica vocal requerida para interpretarlos.
"The boy with the thorn in his side,
Behind the hatred there lies
a murderous desire for love..."
Si bien no hay ninguna canción mala en el disco reconozco que la que menos sorprende es indudablemente Vicar in a Tutu canción con tintes claramente de crítica religiosa, especialmente al cristianismo y a la Iglesia en particular, tema que sin fin de menospreciar, me parece menos interesante que el del resto de las canciones del disco. Por lo demás tiene el récord de ser la canción más corta del disco, algo que ameniza un poco el paso por ésta dejando tras de sí a los vicarios en tutú para dar paso a temas mayores.
Si hay una canción conocida ya no solo de este disco sino de toda la banda ese es There is a Light that Never Goes Out himno inmortal de la música alternativa de mediados de los 80's que aún a día de hoy resplandece en las noches nostálgicas de aquellos que buscan recordar tiempos mejores o amores pasados aunque solo sea en 4 minutos. Ésta es otra de las muestras de que The Smiths eran una banda que podían llegar a funcionar a la perfección entre sí, manejándose en una simbiosis en la que ni el bajo ni la guitarra tienen una nota más de la debida ni la batería o la voz de Morrissey opacan al resto, en resumidas cuentas, el tema perfecto para empezar con el grupo.
"And if a double-decker bus
Crashes into us
To die by your side
Is such a heavenly way to die..."
Y como final a un disco redondo se muestra Johnny Marr en una de sus obras maestras en cuanto a guitarra se refiere Some Girls are Bigger than Others un tema que muestra el virtuosismo y la habilidad del que es mi guitarrista favorito, mostrando una orgía de arpegios hipnóticos que se envuelven en el bajo de Rourke fundiéndose en un tema que cierra el que aún para muchos es la Obra Maestra del Pop/Rock de los 80's.
Fuck yeah! Este viernes será un buen viernes si hay un poco de pizza, alguna película que ver y por supuesto, el Nevermind puesto a toda pastilla, como el buen grunge manda. Y si no acabo oliendo a espíritu adolescente o rompiendo mis espejos me quedaré muy defraudado...
Pongamos un poco de contexto histórico: Es 1991, la música pop y la disco siguen conquistando el mundo comercial de manos del Rey del Pop, Michael Jackson, sin embargo no todo es felicidad, el final de la URSS se acercaba y el sueño americano prevalecía, el capitalismo imperaba con sus normas de libre oferta y demanda en las que tres chicos de Seattle no parecían encajar en un panorama en la que el Punk ofrecido en su disco debut pasó sin pena ni gloria en medio de una sociedad desoladora en la que un nuevo género como el grunge no despegó hasta la llegada de su segundo álbum, Nevermind, con esta vez un sonido más común pero no menos salvaje que su antecesor en el que empezaría a verse la mezcla de ritmos calmados con otros más potentes que hicieron característicos a la banda. Todo esto de manos de Krist Novoselic al bajo, de Dave Grohl a la batería y del genio y ya archiconocido guitarrista y cantante, Kurt Cobain.
Ya con la primera canción "Smells Like Teen Spirit" nos deja claro que ésto va a ser algo que va a trascender en el mundo del rock, algo que será recordado por su furia, por su rabia, por su rebeldía.
Nos introduce una guitarra con cuatro acordes de quinta que se nos quedarán en el cerebro por siempre y que sabremos reconocer aún mejor gracias a la mezcla perfecta entre bajo, guitarra y una batería que ya con Dave Grohl se hacía perfecta, añadiéndole una complejidad y un componente más técnico a la canción, la cuál nos deja una intención un tanto difusa con "Load up on guns, Bring your friends. It's fun to lose and to pretend" lo cuál se consagrará como una letra de rebeldía a la que Cobain siempre cambiaba el significado, y bien que es difícil definir su sentido con partes como "With the lights out, it's less dangerous. Here we are now, entertain us. I feel stupid and contagious. Here we are now, entertain us. A mulatto, an Albino. A mosquito, my libido...". Cobain declaró que lo único que pretendía con esta canción era conseguir un sonido parecido al de "Pixies" una de sus bandas favoritas y crucial en lo que posteriormente fue el Grunge. Sin embargo, aún a día de hoy este tema sigue siendo un himno de masas que conoce sino todo, casi todo el mundo.
Con un ritmo más pesado y remarcando los acordes de guitarra nos recibe "In Bloom" otro de los tantos himnos que tiene este disco. Este es uno de esos temas que viene bien escuchar con el videoclip delante para darse cuenta del sarcasmo y el humor implícito que éste tiene, con una letra que con "He's the one who like all our pretty songs, and he likes to sing along" nos muestra a uno de esos tantos que escuchan las canciones de una banda y que por eso se siente importante, pero que al final "But he don't know what it means Don't know what it means" solo los escucha por postureo, es decir, que llega al punto de ni siquiera enterarse de que va la canción que escucha.
Y la cara A de este álbum sigue con "Come As You Are" preferida de muchos que también se ha consagrado con el tiempo como un himno del Rock y del Grunge. En este caso se puede ver como Cobain le dio más importancia a los momentos calmados de la estrofa frente a un estribillo que no suena tan ruidoso como muchos otros que se pueden escuchar en este mismo álbum. En este batiburrillo de sonidos se cuenta como Cobain llama a alguien para que vuelva, como un amigo, como un enemigo, como el quiera, eso da igual, pero que venga, mostrando una indecisión que, si bien se puede sentir simple, es natural y real como el mismísimo ser humano "Come as you are, as you were, as I want you to be As a friend, as a friend, as and old enemy". Si uno ve el videoclip parece casi premonitorio que aparezca como primera imagen una pistola flotando, curioso cuanto menos, trágico al fin y al cabo.
"Breed" nos abre de forma desesperada y con un rápido riff de guitarra lo que es un tema dedicado a la reproducción, o más específicamente, en como una chica se niega a tener sexo con alguien con el que parece ser que se ha visto obligada a casarse, prefiriendo hacer cualquier cosa antes que eso "I don't mean to stare, we don't have to breed. We could plant a house, we could build a tree". La música en este caso fue creada principalmente por Krist Novoselic, quién le otorga el mítico y potente riff de bajo, posteriormente pasado a guitarra, que introduce una de las canciones más desgarradoras y punkies del disco, frenética como ella sola.
Por otro lado, "Lithium" vuelve a las riendas de los tres himnos anteriores, siendo además mi favorita del disco y de Nirvana en general. Todo en esta canción suena de forma coordinadamente perfecta, en especial la estrofa que ya nos pilla de sorpresa con un "I'm so happy because today I've found my friends. They're in my head" que nos deja descolocados cuando sigue con "I'm so ugly, but that's okay, 'cause so are you. We've broken our mirrors" que será repetido al final de la canción con solamente el bajo y el Hit-Hat de la batería de manera hipnótica y como solo Cobain sabía hacer, con una voz desganada y rota que habla de chicos que, al morir sus novias, deciden convertirse al cristianismo "Sunday morning's everyday for all I care, And I'm not scared. Light my candles in a daze 'Cause I've found God". En mi opinión, la canción más completa del disco y que refleja perfectamente el estilo propio de la banda.
Con una guitarra acústica se nos presenta "Polly" una balada acústica que nos habla de una historia basada en hechos reales, en esta historia una chica es raptada en un concierto de Punk para posteriormente ser amordazada y torturada por su secuestrador "Polly wants a cracker, I think I should get off her first. I think she wants some water" para finalmente conseguir huir gracias a que ésta se ganó la confianza de su secuestrador hasta el punto de desatarla "Maybe she would like some food. She asks me to untie her... a chase would be nice for a few". Lo curioso del tema es que hace una metáfora entre la chica raptada y un loro llamado Polly, nombre muy común para los loros en EEUU, por lo que aparentemente se nos plantea una visión del tema mucho más simple y adornada que la auténtica esencia de éste, mucho más oscura y cercana a lo que es el grunge, en el que también se dedicaban canciones a personas que pasaron por momentos difíciles o incluso que llegaron al suicidio y que no salen en las noticias y no pasan a mayores (véase "Jeremy" de Pearl Jam).
Poco hay que decir de "Territorial Pissings" más que se lleva el premio al tema más punkie del disco, y a su vez el más rápido y breve hasta el momento del disco, con una batería explosiva, un bajo que se hace notar y una guitarra que nos hace pensar en los límites de la distorsión. Poco más se puede decir aparte de que nos deja una letra que habla de la locura y de como se buscan nuevos caminos, mejores caminos y se acaba en nada "Just because you're paranoid, don't mean they're not after you". El tema como no puede ser de otra forma termina en gritos y con Cobain dejándose la voz.
Pasamos a la canción favorita de Cobain, "Drain You" de la cual se sentía muy orgulloso y llegó incluso a confirmar que pensaba que ésta era mejor que la propia Smells Like Teen Spirit y se merecía más fama que ésta. A lo largo del tema se presentan sonidos de juguetes y a un Kurt que parecía hasta estar contento de cantar esta canción, solo hay que verlo como sonreía cuando tocaba este tema en directo, pura alegría grungera "In a passionate kiss From my mouth to yours I like you".
El quejido de Cobain y la mejor línea de bajo de Novoselic en todo el álbum nos dan a relucir "Lounge Act" otro de mis temas favoritos del disco y otro que pasó muy desapercibido en la época del Nevermind, el bajo se hace predominar en toda la canción en la que se nos habla de deseos de tener más "And I wanted more than I could steal", de amores pasados y de como el presente tiene una fragancia a recuerdos de antaño que nunca se irán "I'll go out of my way To prove I still Smell her on you".
La canción más conocida del lado B probablemente sea "Stay Away" simple como ella sola, habla de alguien a quién queremos tener lejos, fuera de aquí, molestas, no sé por qué, pero no te quiero aquí "Less is more, love is blind. Stay, Stay Away. I don't know Why...". Y como no, hay gritos en este tema para dar y regalar, como buena canción de Nirvana. Son así, o complejos cual Lithium o simples como ésta.
Otra gran desconocida es "On A Plain" otra de esas que a pesar de estar en el disco más conocido de la banda tuvo la mala suerte de estar en la cara B, por lo que se quedó desgraciadamente como una canción que pocos realmente conocen, con un ritmo simple y unos coros muy característicos de la banda en la que se grita lo mucho que se quiere uno a sí mismo "Love myself, Better than you. I know it's wrong, So what should I do?". Otro gran clásico olvidado del Nevermind, 100% recomendada, 101% Nirvana.
Y como no, siendo un álbum de Nirvana lo suyo es acabar con la canción más tétrica y con más mal rollo del disco, "Something in the Way" cuya simple letra se hace olvidar debido a la increíble atmósfera que esta misma crea, ¡Ésto sí que es perturbador, eh Dross! La letra no tiene pérdida, habla de las supuestas experiencias de Cobain viviendo bajo un puente "Underneath the bridge, the tarp has sprung a leak. And the animals I've trapped have all become my pets". Más claro el agua (Nunca mejor dicho).
Y así acaba... ¡Ah no, espera! Que después de 20 minutos con el disco girando se puede escuchar el Hidden Track "Endless, Nameless" en el que Cobain intentó hacer algo similar a The Beatles en su "Abbey Road" con la canción "Her Majesty" que dura 20 segundos, el mismo número que tiene uno que esperar a que empiece la canción escondida de Nirvana, la cuál fue grabada tras una sesión fallida de "Lithium" en la que acabaron improvisando lo primero que se les vino a la cabeza, que no fue otra cosa que gritos sin sentido y un Cobain paranoico, como no puede ser de otra manera "Silence, Here I am".
Parece casi un contraste coincidente el que haya analizado esta semana dos álbumes tan dispares como lo son éste y "Definitely Maybe", uno influyó en la segunda mitad de los 90's mientras que éste sigue influyendo aún a día de hoy, algo que pocas bandas consiguieron hacer es permanecer intactos y seguir sonando frescos aún en la actualidad, y Nirvana consiguió permanecer viva aún después de la muerte de Cobain, algo que solo a los artistas les pasa, su cuerpo muere, pero su arte permanece y los hace grandes, los hace inmortales.
En conmemoración con la aparición de Liam Gallagher en el Glastonbury 2017 he decidido que lo más sabio es aprovechar el momento para analizar el que probablemente es el álbum más redondo del grupo en el que, a diferencia del Morning Glory, no sobra ni una sola canción.
Pongámonos en contexto histórico: Es inicios de 1994, el Grunge se va eclipsando poco a poco con la trágica muerte Kurt Cobain y un género conocido como "Britpop" se empezó a comer gran parte del terreno que años anteriores habían liderado Nirvana, Alice in Chains o Pearl Jam. En este panorama empieza a destacar un grupo de Manchester llamado "Oasis" y cuyos directos empezaban a llenarse de curiosos que veían en éstos una suerte de nuevos Beatles que venían a salvar el panorama musical inglés y a hacer a Inglaterra grande otra vez.
En este grupo destacaban el guitarrista principal, Noel Gallagher, y su hermano Liam que se dedicaba a cantar y a dar una cara de Rock Star que mantiene aún a día de hoy a pesar de la separación en 2009 del grupo.
Empezamos con la primera y potente canción del disco, Rock & Roll Star, y nada más lejos de la realidad, ya que la letra del tema relata la vida de alguien que sueña tanto con ser una estrella de Rock que vive su vida en la ciudad y hace caso omiso de quienes lo intentan disuadir de cumplir lo que él quiere ser, por ejemplo, se puede ver perfectamente en "In my mind my dreams are real. Now we're concerned about the way I feel. Tonight I'm a Rock 'n' Roll Star" ya que, para Noel y Liam, quienes aún no habían llegado a ser estrellas del Rock, solo les quedaba una cosa, soñar serlos y vivir como si cada noche acabaran siendo lo que están buscando ser hasta finalmente llegar a serlo. En lo instrumental la canción se da a relucir con un apartado de guitarras lleno de furia y energía que comienzan con un riff mítico y perfecto para iniciar lo que sería una de las obras maestras de los Gallagher.
Seguimos con la hipnótica "Shakermaker", en la que se luce la voz de Liam y una guitarra muy similar a la de "Supersonic", siendo poca la coincidencia ya que éste salió como primer single y Shakermaker salió como segundo. Es un tema con tintes de psicodelia reflejados en como la guitarra y los instrumentos se ven opacados entre sí hasta el punto de que a penas se puede distinguir la guitarra y la batería de lo que supone un enrevesado, pero no por menos genuino, amalgama de sonidos en los que se pretende transmitir una letra con poco sentido.
Y viene el primer gran himno generacional de Oasis. "Live Forever", cuyas ideas iban en total contraposición con las que el Grunge planteaba con, por ejemplo, "Maybe I just want to fly I want to live I don't want to die, Maybe I just want to breathe maybe I just don't believe" el mismo Noel Gallagher declaró que cuando escuchó "I Hate Myself and I wanna Die" de Nirvana decidió que quería hacer una canción que fuese en contra de todo ese pesimismo, formando así uno de los temas más optimistas y que asentarían dicho adjetivo en la banda durante prácticamente toda su duración.
En la canción predominan los acordes de guitarra por encima de los arpegios, siendo únicamente en el solo cuando ésta predomina por encima de la voz de Liam, quién fue casi obligado por su hermano a cantar en tonos diferentes y poco experimentados por el cantante como el falsete en "You and I we're gonna live forever" lo que recuerda a bandas como "The Smiths".
Seguimos con otra canción explosiva y optimista, "Up in the Sky", en la que se habla como todo lo que sube acaba, de una o de otra forma, bajando, por lo que solo queda crearse unas expectativas propias en la que puedas llegar a aquello que se quiere ser sin evitar por ello querer volar hacia lo más alto. También la guitarra eléctrica y la voz de Liam hacen de esta canción una esencial a la hora de conocer las motivaciones y los impulsos que consiguieron llevar a esta banda a lo más alto.
"Columbia" se lleva el pedazo respectivo a las experiencias en la adolescencia, en las que uno es víctima de una serie de experiencias que no siempre consiguen expresar mediante palabras, de ahí "But I can't tell you the way I feel, because the way I feel is oh so! new to me", poco más se puede decir de la canción más allá de que es un tema parecido al anterior pero con un tono más sarcástico.
La punzante y primeriza "Supersonic" se lleva el mérito de ser el primer gran single de Oasis y uno de los temas con menos sentido, debido, entre otras cosas, a la rapidez de Noel al componerla (literalmente, en lo que tardaron Liam y el resto del grupo en ir a comprar comida china y volver) con una letra que inspira a ser uno mismo evitando dejarse llevar por los demás "I need to be myself. I can't be no-one else. I'm feeling supersonic. Give me gin and tonic". En este tema destacan los arpegios y los solos por encima de los acordes.
"Bring it On Down" se lleva el premio a la canción más ruidosa y frenética del álbum, llegando a ver como un Liam gritaba con una voz robotizada al micrófono a la par que una guitarra no para de darle caña a otro tema en el que se habla de un paria al que ya no le importa otra cosa que vivir la vida al máximo "You're the outcast, you're the underclass. But you don't care, because you're living fast".
Pasamos a otro de los temas insignias del grupo, "Cigarettes and Alcohol", en el que se habla, claro está, de cigarrillos, alcohol y se hacen referencias a otras drogas como a la cocaína "You might as well do the white line" es decir, para los hermanos Gallagher pueden pasar cosas malas, pero ninguna peor que quedarse sin cigarros y algo de bebida, es lo que los hace vivir según "Is it my imagination, or have I finally found something worth living for?".
La veloz y apresurada "Digsy's Dinner" se lleva la palma a la canción más corta y más, a primera vista, simple del álbum. No obstante, aunque trate sobre deseos de un chico (Noel) de traer a una tal Digsy a casa a comer Lasagna (ya claro, seguro que solo buscabas que se comiera eso eh Noel) o de tomar el té, no os engañéis, entre líneas se puede leer como se menciona el deseo que puede llegar a tener uno de vivir los mejores días de su vida con alguien con el que realmente no se está comportando de manera muy inteligente o acertada "These could be the best days of our lives But I don't think we've been living very wise".
En "Slide Away" se pueden ver unos resquicios de balada rock que posteriormente confeccionarían en la ya conocida "Wonderwall", mientras que en este tema se tratan las ganas que se pueden llegar a tener de escapar con la chica a la que queremos de un mundo y de como le prometimos que envejeceríamos con ella hasta el final y ahora, ahora ya no sabemos ni donde está "I dream of you and all the things you say. I wonder where you are now?". La guitarra se queda en un segundo plano en un tema que Liam borda de manera vocal con unos coros finales con "Don't know, don't care. All I know is you can take me there" que expresan de forma desesperada de huir con quién queremos.
Se cierra el álbum con "Married with Children" el único tema acústico del LP en el que se puede ver como Noel aprovecha para recurrir al desamor como final del disco con versos como "I don't care no more so don't you worry Goodbye I'm going home" como ejemplos de relaciones en las que se acaba detestando al otro, tanto a sus amigos como la música que escucha, etc "I hate the books you read and all your friends. Your music's shitty it keeps me up all night". El tema está enteramente dominado por el rasgueo de una guitarra acústica y un pequeño fraseo que se repite por parte de la guitarra solista, en un tema en el que tanto el bajo como la batería se hacen notar por su ausencia.
"Definitely Maybe" es uno de los álbumes cruciales para entender la segunda mitad de los 90's y como ésta estuvo muy influenciada por un optimismo que se iría perdiendo poco a poco tras la progresiva muerte del Britpop a finales de esta década que nos dejó grandes obras que no deben de ser olvidadas, ya que supusieron una vuelta en gran medida a los 60's en las que bandas como The Beatles han sido numerosas veces comparadas con la ya conocida banda de Manchester.
Verano es sinónimo de buen rollo, Verano es sinónimo de Oasis.
Y aquí estoy, adentrándome en la aventura que es hablar sobre la obra maestra de Radiohead que, justo el día de hoy, cumple 20 años, en concreto de la versión remasterizada del disco.
Pongamos un poco de contexto histórico, año 1997, Radiohead saca el que sería, hasta ese momento, su disco más atrevido y complejo, alejándose de los temas más comerciales que proliferaron en sus discos anteriores y buscando a toda costa quitarse el nombre de "Los que hicieron Creep". Frente a este panorama, la banda decidió irse a una mansión inglesa del siglo XV, en el que anteriormente ya había estado The Cure grabando uno de sus más nefastos álbumes "Wild Mood Swings", sitio en el que decidieron aislarse del exterior prohibiéndose los unos a los otros el escuchar cualquier tema que se emitiera en la radio con el fin de distanciarse de lo comercial y del mainstream, en esta mansión se crearon todas y cada una de las canciones a excepción de "Exit Music (For a Film)" expresando una tormenta de ideas que aumentaría aún más en el "Kid A".
La carga emocional que Yorke tuvo que plasmar en sus canciones lo dejó muy tocado llegando inclusive a la depresión, algo que le llevó tres años superar.
En la primera canción, "Airbag", nos abre con una de las mejores y más potentes introducciones del grupo a manos de una guitarra eléctrica sumamente distorsionada y con un Thom que, traumatizado por un accidente de coche (algo que le dejaría una fobia hacia los coches) le grita al espectador lo emocionado que se sintió al ver que una simple bolsa de aire le ha dado una nueva oportunidad para vivir, para realizarse, seguido de la frase "In an interstellar burst, I'm back to save the universe" o "I am Born again".
Es el final de "Airbag" el que nos une con el siguiente tema, "Paranoid Android", que abre con una de las progresiones de acordes más complejas de idear a manos de una guitarra acústica a la que se le irán añadiendo poco a poco sonidos que van incrementando la locura hasta explotar en "You don't remember, Why don't you remember my name?" con un mayor peso de la guitarra eléctrica que se remontará tras la cuarta parte de la canción, "Rain down, rain down. Come on rain down on me", que nos deja un sentimiento de depresión y de tristeza que en esta remasterización se ve aumentada gracias a la inclusión de unas voces de coro más presentes de fondo, todo ello para ver como acaba la canción en total paranoia.
Delicada y relajante sigue "Subterranean Homesick Alien", que surgió como una parodia del tema de similar nombre de Dylan. La canción inicia con una guitarra eléctrica con un reverb profundamente marcado, es decir, se busca la profundidad mediante el eco en la guitarra, que de paso sea dicho, es impecable y se mezcla perfectamente con los sintetizadores y efectos del fondo, haciéndola casi indistinguible de estos hasta que llega la parte más potente en la que se grita "They're all uptight". De más está decir que la historia de la canción nos cuenta como a un chico lo han abducido unos alienígenas, todo esto en un marco de chico de pueblo al que sus amigos lo toman como un completo loco, "I'd tell all my friends but they'd never believe me, They'd think that I'd finally lost it completely". Todo el tema está cantado por un Yorke que simula ser el propio chico abducido, mostrando un tono de embobamiento similar al de alguien que ha sufrido una lobotomía por parte de extraterrestres. Y ahora yo pregunto, ¿quién hasta entonces había hecho un tema tratando este tema? Bueno, pues ahí estuvo Radiohead para hacerlo.
Una siniestra guitarra acústica abre "Exit Music (For a Film)", tema que fue grabado anteriormente al álbum por encargo para la película de "Romeo y Julieta" de 1996, a lo que finalmente Yorke se negó a prestar debido a lo mucho que le gustó el resultado de ésta. La historia de la canción no tiene perdida, cuenta el final de la novela original de Shakespeare clarificado en "Pack.. and get dressed. Before your father hears us". El tema tiene únicamente una guitarra acústica hasta "Breathe, keep breathing. Don't lose your nerve" donde se añaden unos coros hasta que en "You can laugh. A spineless laugh" se una de golpe toda la banda, en la que una elegante batería y un potente bajo distorsionado darán fin con la última y agonizante frase del tema "We hope that you choke, that you choke...".
Sorprendentemente el tema que prosigue a semejante oda al fin del amor es "Let Down", un precioso y sobrecargado tema en el que, por primera vez en el disco, los arpegios predominan por enciman de los acordes, dando lugar a un muro de sonido similar al de Phil Spector, en el que finalmente se siente un tema sobrecargadamente precioso. La letra del tema habla precisamente de como uno se va sintiendo poco a poco más y más agobiado debido a como el mundo presenta cosas tan dispares como los sentimientos profundos llevados acabo con personas decepcionantes, llegando a la histeria y al sentirse como una herramienta, alguien que su único fin es ser útil para una sociedad que lo detesta.
Rococó y depresión en estado puro.
Seguimos con otra de las joyas del álbum, Sexy Sadi... oops! Error 404, ¡Qué es "Karma Police"! Exactamente amigos, con una progresión a guitarra acústica un tanto reconocible comienza un tema que inicialmente surgió como broma entre la banda, mostrando finalmente una canción en la que la policía del karma actúa como una suerte de Policía del Pensamiento que arresta a todo aquel que, de una manera o de otra, ofende a otra persona, ya sea porque habla en matemáticas o porque tiene un peinado al estilo de Hitler, avisando al oyente qué es lo que pasará si es que se atreven a meterse en un lío con ellos. En el tema predominan la guitarra acústica y la batería, también se aprecian los coros del final con "For a minute there I lost myself, I lost myself ".
La depresión por la vida moderna se constata con "Fitter Happier", que con un depresivo piano, unos sintetizadores y una voz robotizada nos muestra como toda nuestra vida está controlada minuto por minuto de forma programada y similar a la rutina que tendría un robot. Nos deja con frases como "Fitter, happier More productive" o "Will frequently check credit at (moral) bank (hole in wall)" que nos muestran la obsesión de ser productivos y felices a la vez, como el buen capitalismo manda, también con "Favours for favours, fond but not in love" o "Still cries at a good film, Still kisses with saliva" se puede apreciar la necesidad moderna de corresponder a todo pero fingiendo la manera en la que se corresponde, ya sea llorando frene a una buena película o besando con lengua, ya que esa es la norma, la costumbre, y nosotros la aceptamos como si fuera una ley que todos deben de cumplir, sesgando de esta manera la forma de relacionarse con los demás. El tema termina con "Fitter, healthier and more productive. A pig in a cage on antibiotics" en donde se nos vuelve a mostrar la obsesión de estar saludables (física, no intelectualmente...) y de ser productivos para una sociedad que nos trata como a cerdos en una jaula en la que nuestra única forma de vivir es la física, la cual debe de ser curada mediante antibióticos, que a su vez impiden el crecimiento de la identidad humana como individuo independientemente de la sociedad en la que vive.
Tras la depresión en estado puro surge "Electioneering" como forma de queja hacia el gobierno y en concreto, a los gobiernos que se dedican a prometer todo aquello que los votantes quieren oír, es decir, "Say the right things when Electioneering. I trust I can rely on your vote". También se puede ver como en "When I go forwards you go backwards and somewhere we will meet" se muestra como quejido en el que el político siempre busca el acercamiento a los ciudadanos a costa de cualquier cosa, independientemente del ciudadano y viéndolo únicamente como un instrumento mediante el que ganar votos. La crítica hacia el neoliberalismo se ve presente en "Riot shields, Voodoo Economics. It's just business, cattle prods and the IMF" ya que las "Voodoo Economics" no son otra cosa que la economía planteada por Ronald Reagan en las que se reduce Gasto Público y el control gubernamental del dinero para que el ciclo de la Oferta y la Demanda fluyan (Jaja ya claro), es decir, se toma la política como un negocio más, privatizando aquello que se ha elegido de forma pública.
La guitarra eléctrica distorsionada del tema suena increíblemente similar a una mezcla de tema del Viejo Oeste modernizado, algo que le añade un significado más profundo a la idea que se quiere transmitir de la política como un duelo entre vaqueros, usando los votos de los ciudadanos como balas para eliminar al contrincante.
Y de repente "Climbing Up the Walls" se da a conocer como el tema más artificial del disco (solo por detrás de Fitter Happier) con un Thom Yorke cuya voz ha sido profundamente distorsionada en la que, sonidos de insectos y una batería con sonido metálico, le dan un toque de oscurantismo al tema más infravalorado del disco, en el que mediante frases como "Do not cry out or hit the alarm, You know we're friends 'til we die" se deducen ideas como lo tóxicas que pueden llegar a ser algunas amistades y con "And either way you turn, I'll be there. Open up your skull, I'll be there" se muestra lo abstractos y desoladores que pueden llegar a ser los temas tratados en el disco. Finalmente, frente a la presión, gritar es lo único que le queda al protagonista de esta trágica historia, repleta de amistades artificiales y basadas en la necesidad.
Suave y en forma de nana nos recibe "No Surprises" que, tras la tormenta artificial de la anterior canción nos consigue calmar con la instrumentalización... que no tanto con la letra, que inicia con un bello "A heart that's full up like a landfill. A job that slowly kills you. Bruises that won't heal" en la que se nos plantea a un chico que padece una vida en la que su trabajo lo mata a la par que sus heridas sentimentales no han sido curadas aún por un corazón que está a rebosar de basura que desemboca en "I'll take a quiet life, A handshake of carbon monoxide" es decir, en un suicidio causado por el monóxido de carbono, probablemente a causa de una estufa o de una hornilla, en el que el suicida pide que no haya alarmas ni sorpresas, es decir, que su decisión final no sea interrumpida por ninguna persona y que ésta pueda ser llevada a cabo. Finalmente, en "Such a pretty house, such a pretty garden" se aprecia una referencia posiblemente religiosa, ya que el suicida ve finalmente una casa (la Casa de Dios) y un bonito jardín (El Jardín del Edén, el Jardín del Paraíso).
El contraste que Radiohead consigue mediante una instrumentación semejante al de una nana mezclado con una letra totalmente oscura y en la que se representa algo tan escabroso como un suicidio hizo que el hacerlo single fuera casi obligado.
Sutilmente se nos presenta "Lucky" tema claramente inspirado en Pink Floyd, especialmente en la guitarra eléctrica. Sigo sin encontrarle demasiado sentido a la letra de la canción, más allá de lo preciosista de sus frases como "This time, I feel my luck could change. Kill me Sarah, kill me again with love. It's gonna be a glorious day" o "'Cause I'm your superhero. We are standing on the edge".
En general es un tema que calza a la perfección tras No Surprises, siguiendo con la calma de ésta y añadiendo unos coros en la parte del estribillo del final en la versión remasterizada que le da un toque más místico al tema.
Y finalmente tenemos a "The Tourist", último tema del disco cuyo mensaje es obvio, sabiendo de ante mano que el grupo la hizo con el propósito de relajarse y de cantar algo menos depresivo y haciéndose una autollamada para calmarse tras todo un trayecto en el que el estrés, la obsesión y los vicios provenientes de la sociedad se dejan a un lado en pos de la calma del individuo "Sometimes I get overcharged. That's when you see sparks" y directamente en "Hey man, slow down, slow down".
No obstante, es en mi opinión el tema que más flojea dentro del álbum, ya que tiene el mensaje más obvio y el menos trabajado de todo el álbum.
Ok Computer es posiblemente el disco que asentó las bases del Rock de los 2000's con un uso mayor de las tecnologías a las que a su vez se criticaba, grupos como "Interpol" o "The National" se vieron sumamente influenciados por dicho álbum en el que se tratan problemas que, a día de hoy, siguen estando presentes en la sociedad de la sobreinformación y del exceso tecnológico.
Si te atreves a escuchar el álbum que rompió con las bases del rock de los 90's y del Grunge y el Britpop, y a su vez, que marcó un antes y un después en Radiohead, éste es el álbum idóneo para comenzar lo que, muy probablemente, se convertirá en un gran y profundo amor hacia la banda y, más concretamente, hacia en álbum en el que todos tus problemas tienen cabida para ser tratados y superados.
Antes de adentrarme en lo denso que es "OK Computer" de Radiohead os hablaré primero en esta entrada sobre las tres nuevas canciones que revelaron en esta ampliación por el 20 Aniversario, dejando el álbum completo y las caras B para la posterior crítica del mismo.
Aclarar que estas tres canciones fueron ideadas en el transcurso de la creación del susodicho álbum, las cuales fueron dejadas de lado hasta el punto de no haber salido ni como lados B y viéndose condenadas a temas que se tocaban de cuando en cuando en directos, muy al estilo de lo que hicieron con "True Love Waits" (Y vaya que si esperó...).
Empezamos con "I Promise" que fue lanzada a inicios de Junio con un exitoso vídeo que llegó rápidamente al millón de visitas y cuenta ya con cuatro y rozando los cinco. En esta canción de rimo casi militar y sin cambios aparentes en cuanto a guitarras y batería, en la que la guitarra de Greenwood está ausente, dejando a la voz de Yorke como principal evocación de sentimientos de la canción, junto a unos violines que hacen que el tema no se sienta repetitivo o insulso. Probablemente fuera un tema pensado para ser un sustituto de "The Tourist" como final del disco, lo cual en mi opinión, hubiera sido todo un acierto.
La siguiente es "Man of War" con su correspondiente vídeo, que fue lanzado justo ayer con un único fin, recordarnos que Radiohead guarda aún joyas como ésta desde hace ya 20 años atrás. El tema se presenta en un escenario en el que se me hace imposible no pensar en lo mucho que me recuerda a lo que podría ser un episodio de "Black Mirror", especialmente gracias al vídeo, en el que se muestran numerosas referencias a otra de sus más famosas canciones, "Karma Police". Líricamente la canción es muy expresiva, dejando toques como la pronunciación del "me" de Yorke en el "I wish you could see me" o frases como "And the worms will come for you, Big boots" recordando en cierto modo a "Hey You" del "The Wall" de Pink Floyd (o de Roger Waters, según como se vea...).
Para terminar, nos regalan lo que en mi opinión fue un pecado no haberlo puesto en el álbum original y, además, que siquiera haya tenido aún un vídeo, y no es otro que "Lift", una obra maestra que comienza y permanece en calma para transmitir un sentimiento de tranquilidad y de relajación, como si la vida fuera un ascensor en el que nos subimos pero del que no queremos salir, que nos hace permanecer seguros pero en un peligro constante de quedarnos encerrados en él. El tema nos lo deja claro, cuando nos cerramos a las nuevas experiencias pensando que así no sufriremos acabamos encerrados en una suerte de ascensor personal, poniéndose el propio cantante como ejemplo, "You've been stuck in a lift. We've been trying to reach you, Thom" haciendo del tema una especia de mensaje que, al igual que "I Promise" hubiera quedado perfectamente al final del "Ok Computer" original, siendo en mi humilde opinión, una canción que cerraría a la perfección el disco más que el ya conocido tema final. En general, ha sido el tema que mejor sabor de boca me ha dejado de los tres, posicionándose rápidamente entre mis favoritos del grupo en tan solo un día de escucha.
No he encontrado mejor álbum para empezar mi aportación a este blog que aquel que me está marcando más en este 2017, un álbum que, con sus ya casi veinte años, sigue manteniendo una frescura y un estilo que, al ser de tan baja calidad en cuanto a grabación y producción, continua sorprendiendo a aquellos que se atreven con uno de los álbumes más apreciados por los amantes del Lo-Fi y más desapercibidos por la crítica general que, frente a la locura del Britpop y del comienzo del Pop-Punk dejó pasar un álbum que mereció más atención que la mostrada por aquel año de 1998 en el que las letras fáciles y los pedales de distorsión eran recibidos como algo atractivo por las productoras musicales.
En este panorama entra un grupo cuyo trabajo anterior, "On Avery Island", no fue recibido con demasiado ánimo por parte de un público más acostumbrado a "Oasis" o "Nirvana". El grupo destacó por caracterizarse de un estilo en el que predominaba la voz del cantante del grupo, Jeff Mangum, por encima de la complicación musical, reduciéndose ésta a una combinaciones de acordes simples pero que son acompasadas perfectamente con las canciones del grupo, cuyas letras, compuestas por Mangum, se acercan a la poesía en cuanto a brillantez y originalidad, siendo normalmente extensas y enrevesadas, pero clarificándose finalmente por la pasión con la que son cantadas.
Tras un EP y el primer álbum debut (del que ya hablaremos en su momento) el grupo decidió hacer un nuevo álbum en el que se pretendiese mandar un mensaje más directo y conciso en el que se plasmasen ideas más universales como la muerte o el amor entremezclados con temas relacionados con Anna Frank, la Segunda Guerra Mundial o el amor de Jeff por Jesucristo, todo en un mismo álbum.
El álbum comienza con un tema cuyas líneas dejan clara las intenciones de Mangum con "The King Of Carrot Flowers Pt.1": "And your Mom will drink until she was no longer speaking, and Dad will dream about the diferent ways to die
Con tres acordes y un acordeón nos da entrada con un tema que suena nostálgico y asemejándose a recordar una película o libro con un cariño de una época que, a pesar de haber tenido buenos y malos momentos, se hacen predominar los buenos. Junto a este tema se vienen la 2ª y la 3ª parte del Rey de las flores de Calabaza, en las que con un arpegio de guitarra en Fa nos introduce una canción en la que se pasará de lo mucho que ama Mangum a Jesucristo a lo que parece ser la persistencia de un chico por hacer cosas aunque parezca ser que no puede debido a su condición social.
Aquí es donde el álbum despliega con su canción icono y más conocida del grupo, "In the Aeroplane Over the Sea" en la que, con tono melancólico pero alegre, Jeff nos presenta las primeras lineas en las que se menciona a una de las inspiraciones del LP, Anna Frank, cuyo fantasma se presenta en medio de la alegría y la musicalidad de una calle, en la que se vive una suerte de "Carpe Diem"reflejado en la frase: "And One day we will die, and our ashes will fly from the Aeroplane Over the Sea. But for now we are young, let us lay in the Sun and count every beautiful thing we can see".
Este es el momento en el que se presenta una de las canciones más sobresalientes del álbum y una de mis favoritas del álbum, "Two-Headed Boy", donde la letra de la canción es tan enrevesada y complicada de entender que me limitaré a decir que es una genialidad de solamente guitarra y voz, en la que ni mucho menos es un tema acústico tranquilo como al que podemos estar acostumbrados, ya que Jeff consigue hacer que modulando su voz y destacando los rasgueos de la guitarra se convierta en un tema acústico, sí, pero potente como un verdadero tema de Hard Rock, llegando a transmitir un sinfín de sensaciones y sentimientos únicamente gracias a su voz, tema de 10 que nos deja frases como: "Now your eyes ain't moving now they just lay there in their climb".
Encajando perfectamente con el final de Two-Headed Boy se nos presenta "The Fool", un tema instrumental en el que predomina la trompeta de Scott Spillane, dando a la luz un tema muy parecido a aquellos que se tocan en las procesiones de Semana Santa de lo que se puede deducir la concordancia entre el título de la misma y sus semejanza con la religión (Vamos, está llamando imbéciles a los cristianos, más claro el agua)
Y llega el tema más explosivo de todo el disco, "Holland, 1945", el tema que cierra lo que para mí es la mejor fase del álbum de manera genuina, con menciones ya directas (solo hay que ver el título) de Anna Frank, pero que guarda frases como "But now we must pick up every piece of the life we used to love, just to keep ourselves at least enought to carry on" que nos dejan con, nuevamente, un Mangum melancólico que ve el futuro como un momento en el que debemos recoger todas aquellas piezas que nos gustaban de nuestro pasado y recomponerlas para así, mantener la esperanza de volver a vivir dichas experiencias y poder avanzar. Es indudable que, si en el tema anterior predominaba la trompeta en este lo hace la batería genuina de Barnes, explosiva y marcando perfectamente el ritmo descontrolado de la canción.
Poco hay que decir de "Communist Daughter" más que representa una vez más el como la voz de Jeff se adapta a todo tipo de géneros y de estilos, siendo en este caso y por primera vez en todo el álbum, suave y calmada.
"Oh Comely" es la balada acústica por excelencia del grupo, cuyas variaciones son escasas y se repite constantemente a lo largo de la canción. En mi opinión, demasiado extensa para lo que es la canción, con una letra cuyo ritmo no me acaba de convencer respecto al ritmo de la guitarra, siendo éste demasiado apresurado respecto al rasgueo.
"Ghost" en cambio consigue reducir el error de la anterior canción, cuya duración y variaciones de instrumentación la hacen más asequible y disfrutable que la anterior con un toque de folk que es de agradecer.
Por otro lado, "Untitled" se presenta como un tema que nos recuerda irremediablemente a Irlanda, sin dudar un instrumental equiparable en calidad al ya anteriormente mencionado, The Fool.
Y finalmente la parte dos de mi canción favorita del álbum, "Two-Headed Boy Pt.2" que cierra perfectamente el álbum, con una serie de estrofas que carecen de estribillo y que se muestran sinceras con ejemplos como: "And in my dreams you're alive and you're crying, as your mouth moves in mine, soft and sweet" y cerrando con una vuelta a la majestuosa parte 1 que nos hace recordar lo maravilloso que ha sido el trayecto por este álbum.
Si tienes un rato y unos buenos cascos te recomiendo que escuches este álbum que, en mi opinión, es de 10/10, consiguiendo con pocos recursos lo que muchos no consiguen con millones en sus carteras, te animo a que te quites los prejuicios y te adentres en lo que es uno de los álbumes más intrigantes y recordables de los últimos años de los 90's, quién escucha este álbum escucha directamente el alma de Jeff Mangum y de lo que fue una estrella fugaz pero suave y dulce como lo fue Neutral Milk Hotel.
